Antonio Canova es un escultor y pintor italiano. Fue el representante más significativo del clasicismo en la cultura europea. Los académicos del siglo XIX, incluido Thorvalsen, lo consideraron un modelo a seguir. Las mayores colecciones de obras de Canova se conservan en el Louvre y el Hermitage.
Un representante destacado del nuevo clasicismo glorificó la belleza ideal. Con sus obras, hizo una revolución en el arte. El maestro comenzó a crear a la manera barroca de Lorenzo Bernia, pero luego logró encontrar su propio camino.
El comienzo de la creatividad
La biografía del famoso maestro comenzó en 1757. Nació en la ciudad italiana de Possagno en la familia de un picapedrero Pietro Canova y su esposa Angela Zardo Fantolini el 1 de noviembre. El padre murió en 1761. El niño fue criado por su abuelo.
Pazino Canova, dueño de talleres de albañilería, se distinguió por un personaje muy difícil. El niño aprendió a trabajar con piedra. El abuelo notó el talento de su nieto y presentó a Antonio Giovanni Faliero. En 1768, bajo el patrocinio de un influyente senador, el joven maestro comenzó a realizar sus primeras obras.
Para enseñarle a su nieto, el abuelo vendió la granja. Con los fondos recibidos, Antonio pudo estudiar el arte de la época de la antigüedad. En octubre de 1773, el joven inició la escultura Orfeo y Eurídice, encargada por su mecenas. Terminó de esculpir a Canova dos años después. El éxito de la obra fue ensordecedor.
El arte griego antiguo se convirtió en fuente de inspiración para el joven escultor. Las reconocidas obras maestras de su modernidad no se incluyeron en el número de modelos a seguir. Antonio abrió su taller en Venecia. En 1779 se creó una nueva composición, "Dédalo e Ícaro". Después de exhibirlo en la Piazza San Marco, fue nuevamente reconocido universalmente.
Trabajo maravilloso
Uno de los primeros trabajos exitosos de Canova presenta dos figuras. Ícaro es impecablemente hermoso y joven. El cuerpo del viejo Dédalo es imperfecto.
Dédalo e Ícaro
En el ejemplo de la yuxtaposición de la juventud y la vejez, la impresión de la composición mejora enormemente.
El escultor encontró y utilizó una técnica nueva y favorita. El eje de simetría corre en el centro, pero la figura de Ícaro está inclinada hacia atrás. Juntos, ambos héroes crean una línea en forma de X, proporcionando el equilibrio necesario. El juego de sombras y luces también fue importante para el maestro.
En 1799, el maestro de veintidós años se trasladó a Roma. Comenzó a estudiar las creaciones de los maestros de Grecia. Habiendo reconocido a todos los personajes principales de la mitología, Canova comenzó a pensar en sus propias tradiciones artísticas. El joven maestro los basó en la nobleza de la sencillez. Esto afectó notablemente su trabajo.
Cupido y psique
Las esculturas de Antonio se colocaron a la par de los legendarios escultores de la antigüedad. El maestro trabajó para mejorar el estilo clásico. El escultor encaja perfectamente en el ambiente cultural de la ciudad eterna. Su trabajo le ha traído reconocimiento y éxito mundial.
La composición "Cupido y psique", ejecutada en 1800-1803, está representada por dos figuras. El Dios del amor mira con ternura el rostro de una bella amada. Psyche le responde con el mismo sentimiento. La intersección de ambas formas forma una línea sinuosa y suave en forma de X.
El público tiene la impresión de que las figuras flotan en el aire. Psique con Cupido se desvía diagonalmente. El equilibrio se logra con las alas extendidas del habitante del Olimpo. El centro de la composición es Psyche, abrazando al dios del amor. Las formas son elegantemente fluidas. Así es como el maestro expresa la idea de la idealidad de la belleza. El original de la estatua se conserva en el Louvre.
Las primeras obras del escultor repitieron las obras de escultores famosos. Sin embargo, al estudiar las obras de los maestros griegos, Canova decidió evitar exagerar la importancia de la pasión y los gestos en sus composiciones. Llegó a la conclusión de que solo mediante un cálculo y un control estrictos podía transmitir sensualidad con idealidad.
Las obras del maestro no se parecían en nada al arte familiar de sus contemporáneos. Paso a paso, Canova creó obras únicas, desde cera y arcilla hasta yeso. Solo después de eso comenzó el trabajo con mármol. El escultor trabajó incansablemente durante 14 horas, sin dejar el taller ni un minuto. No hay información sobre su vida personal.
Tres Gracias
Entre 1813 y 1816 se creó la escultura "Las Tres Gracias". La idea vino de Josephine Beauharnais. Hay suposiciones de que al principio el escultor iba a retratar a Harit tradicionalmente, como se suponía en la mitología. Thalia, Euphrosinia y Aglaya, las hermosas hijas de Zeus, acompañaron a la diosa de la belleza Afrodita.
La alegría, la prosperidad y la belleza se convirtieron en símbolos de gracia. La figura central de la composición es abrazada por las otras dos. La unidad se ve reforzada por el pañuelo que los une. Una especie de altar es un soporte de columna sobre el que se coloca una corona.
El juego de luces y sombras se logra mediante las suaves curvas de los cuerpos y el procesamiento ideal del mármol. Esta técnica se utiliza en otras creaciones del maestro. La armonía y la sofisticación están encarnadas en las tres Charitas. El original de la escultura se conserva en el Hermitage.
El escultor usó solo mármol blanco para modelar. Con la ayuda de composiciones armoniosas, la inmovilidad de las creaciones parece viva. Uno tiene la impresión de estar vivo en movimiento. Una característica del talento del maestro fue el máximo pulido del material. Todas las obras adquieren un brillo especial que llama la atención sobre la naturalidad.
La Magdalena Penitente
Génova es el hogar de la destacada obra de Canova. Fue creado en el período 1793-1796. Esta obra fue la primera en aparecer en la Exposición de París de 1808. El centro de la composición es la figura de una bella pecadora con el cuerpo destrozado, la cabeza gacha y los ojos llenos de lágrimas. No puede apartar los ojos del crucifijo que tiene en las manos.
La camisa de pelo grueso está sostenida por un cordón, y el cabello está esparcido sobre los hombros. La figura está llena de dolor. Ropa y cuerpo: con un ligero toque de tinte amarillento. Con esta técnica, el maestro enfatiza el contraste entre el encanto que irradia el pecador y el conocimiento de las profundidades pecaminosas. Según el plan del escultor, solo el perdón divino eleva a una persona.
Cuando el país fue ocupado por Napoleón, muchas obras terminaron en Francia. Tras la caída del imperio, Canova inició su regreso. El exitoso trabajo del diplomático permitió que las obras exportadas ilegalmente fueran devueltas a Italia.
El destacado escultor murió el 13 de octubre de 1822.
